Hay un par de cosas en la vida de las cuales es difícil hablar y una de ellas es sobre la muerte ya que esta despierta ciertas sensibilidades afectivas. La otra no menos compleja de tocar es el tema de las adaptaciones cinematográficas de video games. Es difícil despojarse de preconceptos ya que por norma las producciones fílmicas que tienen como origen historias extraídas de los games suelen rondar entre la mediocridad o el desastre absoluto y muy pocas de ellas escapan a estos parámetros.
Final Fantasy XV: Kingsglaive es parte de ese universo expandido que ideo Square Enix que servirá de prologo para el juego que saldrá al mercado para PlayStation 4 y Xbox One en noviembre de este año. La historia narra los hechos acontecidos antes del viaje que efectuara Noctis y se centra en el conflicto bélico que mantiene el reino de Lucis con el imperio de Niflheim. Este último quiere apoderarse del único territorio que aún no han podido anexar gracias a los poderes mágicos que se desprenden del Crystal que se encuentra en el centro de la ciudad de Insomnia que le sirven de escudo para repeler cualquier tipo de ataque de la nación rival. Lugo de años de interminables batallas se llama a un alto al fuego y se inician negociaciones para firmar un tratado de paz.
El peso de papel protagónico recae en un joven soldado al servicio del rey Regis Lucis Caelum, rey de Insomnia, llamado Nyx Ulric. Luego de una muy escueta presentación del personaje se deja en claro que este tiene madera de héroe y que gracias a su hábil manejo de la magia, habilidad que comparte con el monarca, liberara al pueblo de la amenaza que representa el reino de Niflheim. Obviamente que el protagonista no se encontrara solo en esta épica aventura ya que contara con la ayuda algunos miembros del equipo elite de Kingsglaive y de la otrora princesa de Tenebrae Lunafreya.
Al apartado técnico no hay nada que reprocharle y este es el que más se destaca en el film. Las imágenes alcanzan una belleza fotorrealista pocas veces vista y en varios tramos del largometraje uno se puede olvidar que en realidad está viendo imágenes creadas por computadora. Además la animación de los personajes es realmente fluida gracias a que estas están basadas en la captura de movimiento de actores de carne y hueso. Otras de las cosas que le dan ese toque humano es la utilización de actores de cierto renombre para el doblaje de las voces como es el caso de Aarón Paul (Breaking Bad), Sean Bean (Game of Thrones) o Lena Headey (Game of Thrones).
Ahora donde la película realmente empieza a hacer agua es en el diseño del guion. Muchos de los sucesos narrados parecen no tener una conexión lógica y lo que motiva a los personajes a actuar de tal o cual manera muchas veces queda en el absoluto misterio. Donde más se puede apreciar esto es en algunos diálogos que parecen aparecer por arte de magia sin saber el motivo y la relación que tienen con lo que sucedió o lo que podrá suceder. Estos olvidos intentan ser subsanados con largas escenas de acción que no hacen más que aportar confusión a la trama. En algún momento del film aparecen personajes similares a los guardianes, esas invocaciones que son marca registrada de la saga Final Fantasy, pero no nos dan pista alguna sobre sus orígenes y porque estos toman partido por uno u otro bando.
No hay dudas que es una película muy entretenida y su apartado técnico es realmente brillante. Pero también es cierto que posee muchas inconsistencias argumentales, mal de muchas películas en la actualidad, que hacen que en más de una oportunidad el espectador se encuentre realmente perdido sin saber qué es lo que sucede. Como película es un buen prologo para un video juego y esta cierra con un post créditos que hace un link con el mismo.
Duración: 110 Minutos
Estudio: Square Enix
Dirigida por: Takeshi Nozue
Guion de: Takashi Hasegawa
Reparto: Aarón Paul es Nyx Ulric, Sean Bean es Regis Lucis Caelum CXIII, Lena Headey es Lunafreya Nox Fleuret .
Si alguna vez te preguntaste como sería rodar una película entera en un formato de primera persona vale decir que esta interrogante ha sido respondida ya en varias ocasiones en el mundo del cine. Para ser más exactos con la terminología a esta forma de filmar se la llama cámara subjetiva y ha sido usada en varios filmes desde los rodados por Hitchcock hasta el inflado largometraje “El proyecto de la Bruja de Blair”.
En el año 1947 en las salas de cine se exhibía el film basado en una novela de Raymond Chandler llamado “La dama del Lago”. La película era otros de los exponentes del clásico del film noir y tenía por particularidad haber sido rodado casi en su totalidad en cámara subjetiva. Esta no tan breve introducción se debe a que Hardcore Henry es un largometraje grabado con esta técnica pero dado los tiempos que corren hay que hacer un par de salvedades ya que los parecidos en cierto momento desaparecen.
Si hablamos de lenguaje visual y narrativo podríamos decir que este se encuentra más emparentado con los juegos de fist person shooters(FPS). Ya en la primera escena nos vemos inmersos en la perspectiva de nuestro protagonista y como es habitual en estos tipos de games nos despertamos de un sueño en el que no sabemos quiénes somos o que ha sucedido. Rápidamente nos dan un escueto briefing, en el que nos enteramos que somos un ser con implantes bionicos, y nos lanzan a una misión de turbulenta supervivencia.
Todo héroe necesita una motivación y el de Henry es sobrevivir y rescatar a su amada, la científica del comienzo del film, de las manos del maléfico “discípulo” de Psycho Mantis que lleva por nombre Akan. Durante el film Henry será asistido por Jimmy (Sharlto Copley) al mejor estilo Cortana de Halo. Constantemente nos dará pistas sobre cómo resolver las misiones que se nos vayan presentando a lo largo del largometraje y de paso a cuentas gotas nos ira develando quienes somos en realidad. En tanto a la acción esta combina elementos de los juegos Mirror´s Edge con algunas piscas de Doom y a veces con algunos toques en la musicalización al estilo del mítico Street of Rage.
No cabe duda que Hardcore Henry hace uso del lenguaje utilizado en el mundo de los videojuegos y de los videoclips, el director Ilya Naishuller utiliza muchas de las ideas vistas en los videos que realizo para la banda de Biting Elbows en los temas “The Stampede” y “Bad Motherfucker”, y por eso cualquiera que este habituado a este podrá disfrutar de este entretenido film. En ciertos pasajes la película muestra ciertas falencias en su guion pero estas no son lo suficientemente grandes como para que el espectador que busca un film de acción trepidante abandone su butaca.
Duración: 1h 36 min
Género: Acción, aventura, ciencia ficción
Director: Ilya Naishuller
Reparto: Sharlto Copley (Jimmy), Danila Kozlovsky (Akan), Haley Bennett (Estelle), Tim Roth (el padre de Henry) , Andrei Dementiev (Henry).
En tónica a lo que viene sucediendo con la proliferación de producciones fílmicas de superhéroes y anti-héroes Warner Bros Animation nos trae Justice League Vs Teeen Titans. Cabe aclarar que el título en principio es un tanto engañoso.
Años atrás Warner tomo la decisión renovar las historias de su universo de superhéroes y dotar de una continuidad a las historias que se narran en cada uno de los films. En esta ocasión decidió hacer un link con los hechos acontecidos en Batman Batman: Bad Blood para luego así introducir a los nuevos Teen Titans. Para ello recurrió a la figura del hijo del caballero de la noche, que fue fruto de la unión de este con Talía al Ghul, Damián Wayne. El joven Wayne, ahora convertido en el nuevo Robín, gracias a su temperamento impulsivo y a su nula habilidad para trabajar en equipo pone en peligro una de las misiones de La Liga de la Justicia. Papá Bruce decide que un par de chirlos no servirán para corregir a su hijo desobediente y piensa que mandarlo a un internado sería una mejor idea. Es aquí que el mejor detective del mundo en un momento de iluminación sugiere que debería ir con los nuevos Jóvenes Titanes para que aprenda una lección.
En principio la trama parece un tanto banal pero empieza a tomar color cuando se aleja de la historia del adolescente rebelde que no tiene cabida en un grupo. Es aquí donde el personaje de Raven y la relación con su padre demoniaco Trigon, que busca dominar el mundo poseyendo los cuerpos de los integrantes de la Liga de la justicia, producen el quiebre que hacen que este film se vuelva entretenido. En el título de esta producción animada se incluye un Vs para hacernos creer que existirá una confrontación entre dos equipos de superhéroes pero lo que en realidad aquí lo que se busca es introducir los Jóvenes Titanes al nuevo universo animado de DC. La película está bien lograda y el giro argumental es lo suficientemente interesante como para que esperemos con gusto las nuevas historias de los Teen Titans, se les recomienda quedarse luego de los títulos.
Lamentablemente en la mente del gamer ha quedado marcado a fuego que las versiones fílmicas de sus juegos favoritos generalmente suelen rondar entre la mediocridad o el desastre absoluto. El caso más emblemático de esto es la película de Super Mario Bros de 1993.
Luego de dos muy malogradas adaptaciones, una en 1994 y otra en el 2009, los fanáticos de la saga de juego de lucha más importante de la historia veían con absoluta desconfianza cualquier intento de traer a sus personajes favoritos a la pantalla grande. Por suerte en el año 2014 surgió Street Fighter: Assassin’s Fist para cambiar un poco el panorama hasta ahora oscuro de las transposiciones de games a films. Los creadores de la serie web, Joey Ansah y Christian Howard, supieron plasmar lo que todo entusiasta del mundo de los viedeojuegos espera en una película, un buen guion con grandes dosis de acción.
Luego de un par de años sin noticias de la continuación de la gran serie del 2014 se anunció recientemente la salida de la continuación y esta llevara por nombre Street Fighter Resurrection. La misma contara los sucesos sucedidos una década después de los que se relataron en la primera entrega. Ryu y Ken se vuelven a encontrar para unir fuerzas contra una nueva amenaza. Al momento de la vuelta de Charlie “Nash”, al quien se creía muerto, varios de los luchadores del campeonato de artes marciales empezaron a ser asesinados. Es por ello que Ryu y Ken deciden ir detrás del amigo de Guile para saber que trama y para averiguar quien realmente está orquestando estos extraños sucesos.
La fecha de estreno anunciada por sus creadores es para este martes 15 de marzo y se emitirá por el servicio de Verizon de teléfonos móviles llamado go 90. Hasta ahora no se ha anunciado si se emitirá por el canal de Youtube Machinima u otro medio.
En algún momento de nuestras vidas por razones no siempre fáciles de discernir uno se encuentra abriendo los arcones de los recuerdos y desempolvando lo que se encuentra en su interior. Esa curiosidad en esta ocasión se traslada a la búsqueda de la razones del éxito de determinado producto, en esta oportunidad derivara en un “revisionismo fílmico”.
En la lejana década de los 80´, precisamente en 1986, salió una película llamada “Retroceder Nunca, Rendirse Jamás”. En los posters de los afiches publicitarios se podía ver a un joven Jean-Claude Van Damme haciendo un split, el mismo que luego se transformara “en su sello de distinción”. La publicidad nos haría pensar en principio que el actor de oriundo de Bélgica es el protagonista de que aquel afamado film pero luego de comenzar a verlo nos damos cuenta que no es así. La historia se centra en un joven aprendiz de artes marciales llamado Jason Stillwell (Kurt McKinney) que ve como un grupo mafioso se apodera del dojo de su padre, claro está, previa paliza al dueño del local de parte de Ivan Kraschinsky el ruso ( Jean-Claude Van Damme). Tal como se podía ver en Karate Kid una proliferación de dojos de karate en Estados Unidos era la norma y también lo era que un grupo inescrupuloso intentara apoderarse de él. Muchas películas de aquella época solían caer en ese lugar común en el aspecto narrativo del “genero de artes marciales”. Ya que se ha hecho mención de los lugares comunes, y en parte estos construyeron el verosímil de género, esta película los visita todos. Para empezar se relata la típica historia del aprendiz que busca redimir la humillación sufrida por su mentor y para lograrlo deberá encontrar su propio camino en el arte de la lucha como así también en el de la vida. El protagonista en pleno transitar en el sendero hacia la iluminación se encontrara con amigos y con fuertes adversarios. Pero obviamente faltan un par de condimentos para que la ensalada argumental tenga el mismo sabor que las del resto de la época. Antes de empezar a revolver la preparación se agrega a la misma una pizca de amigos con tintes humorísticos, su rival Scott también se encarga de hacer estos aportes, y un nuevo maestro de artes marciales a gusto. Para el ultimo ingrediente se eligió al mejor exponente de las artes marciales de todos los tiempos, Bruce Lee. El creador del jeet kune do decide dejar su descanso eterno luego de escuchar las suplicas del atribulado joven protagonista y accede a convertirlo en una maquina imparable de las artes marciales.
Lo anteriormente relatado despertara a más de uno una risa y a su vez se sentirán incomodos al momento de ver este film en estos tiempos modernos ya que no se encontraran en “sintonía de época”. Todo esto es sumamente normal ya que los códigos han cambiado y estos no eran cuestionados al momento que salió el film, aun así es necesario hacer foco en un par de aspectos relacionados a los lugares comunes, los estereotipos y la realización. Sobre la confección del film en el apartado técnico hay que destacar el pésimo trabajo de edición ya que en él se puede ver claros problemas de continuidad, de musicalización y en momentos se pueden ver partes de la cámara junto al boom. Pero claramente los mayores problemas surgen en el guion. El guion se encuentra plagado de baches argumentales como así también de estereotipos. Ejemplo de ello es la construcción de la personalidad del amigo del protagonista al que se lo llamo J.W. Fails (R.J. Madison). Su introducción nos hace acordar a como se presenta al nuevo personaje de Tomy & Daly, el perro Poochie. Igual que aquel a este se lo presenta con marcados estereotipos racistas cuasi bufonescos, es un hábil skater con dotes para el uso de la BMX que al son de la música breack dance toma un balón de básquet para hacer unas piruetas con el mismo y que luego de ello se pone a bailar. Todo lo anterior sucede casi al mismo tiempo en la introducción del personaje y solo después de ello el mismo dice su nombre, para coronar los desaciertos al momento de hacer la introducción del nuevo personaje por parte del director del largometraje hay que decir que Fails es afroamericano.
Otro punto a destacar en este film y en todos lo que se podían ver en la década de los 80´es como los mismos abordaban todo aquello relacionado con Oriente. Obviamente aún la guerra fría era una realidad visible pero este no era el único factor que dejaba su huella en el aspecto narrativo. Había otra que tenía que ver como una relación de imperialismo territorial que se derramaba sobre el ala cultural. Por ello este se reproducía en diferentes formas de expresión artística en los cuales los films no se encontraban ajenos a tal fenómeno. El mismo estaba ligado a un tipo de visión naturaliza en la cual existía una idea de un nosotros (los occidentales) con carga positiva que se encontraba en tensión con un otro que era portador de una carga negativa y amenazante, el oriental.
El autor de origen palestino Edward Said aborda esta problemática sobre conformación de las identidades, en ella argumenta que el imperialismo ha cobrado gran fuerza y en la actualidad gracias a una inversión continua durante siglos en la producción de un conjunto de representaciones sobre lo que es Oriente. Fundamentalmente estas representaciones se fundamentan en la exterioridad ya que el sentido del ser o del pertenecer es impresa por esa mirada emitida desde el Occidente por medio de autores de esta procedencia. Los mismos se encargan de hablar de Oriente y hacerlo hablar, negándole a Oriente la palabra y dotándolo de características exóticas. En ese mismo movimiento presentan esa mirada sobre Oriente como una verdad natural negando que en realidad en una construcción socio histórica, discursiva y como tal esta es una representación. El autor palestino en su libro “Orientalismo” señala que: “El orientalismo (…) es un cuerpo compuesto de teoría y práctica en el que, durante muchas generaciones, se ha realizado una inversión considerable. Debido a esta continua inversión, el orientalismo ha llegado a ser un sistema para conocer Oriente, un filtro aceptado que Oriente atraviesa para penetrar en la conciencia occidental (…) Gramsci destaca que la cultura funciona sobre la sociedad civil y en la misma se ejerce una influencia de las ideas, las instituciones y las personas por medio del consenso. Por medio de este último en una sociedad se permite que ciertas ideas sobre la realidad social y formas culturales predominen sobre otras y a esta forma de supremacía cultural el autor lo llamo hegemonía. Es precisamente por esta que el discurso sobre lo que es Oriente y lo que significa ser oriental, claramente un otro “exótico”, perdura a través de los años con gran fuerza convirtiéndose en una noción colectiva que delimita una relación de pertenencia entre un nosotros y un otro. Tampoco hay que perder de vista que este tipo de discursos sobre lo que es Oriente se producen desde los centros de poder ,que ejercen variadas formas de imperialismo, lo cual genera diversas formas de producción de un conocimiento sobre el otro de manera sesgada que habla de una realidad política de dominación cultural” . Por lo dicho anteriormente fácil observar las razones de que el verosímil de género haya quedado tan arraigado en el público de las películas de la década de los 80. La influencia hegemónica, que se obtiene por consenso, de los discursos construidos sobre aquello que es Oriente se transformó en sentido común de los espectadores y marco lo que era esperable ver en una producción cinematográfica, ese otro exótico tenía que poseer unas características claramente estereotipadas. Ejemplos de estos estereotipos abundan en la filmografía de los años 80, muchos de ellos están reflejados en producciones de tintes bélicos como las súper conocidas Desaparecido en Acción 1 y 2 (1985-1986) del actor experto en artes marciales Chuck Norris y en las Rambo de Sylvester Stallone. En ambas producciones continua aquella mirada sobre la existencia de un enemigo oriental infrahumano oculto en la selva, que no se ha enterado del fin de la guerra, que mantiene cautivos a aquellos benévolos occidentales que fueron a liberar esa sufrida nación. Las películas bélicas no eran las únicas impregnadas de Orientalismo. El intrépido arqueólogo Indianas Jones ha dado cuenta en cada una de sus aventuras de fuertes estereotipos sobre la forma de representar lo oriental. A pesar que en cada entrega los nazis eran fundamentalmente su enemigo en muchas de sus aventuras los orientales tomaban la posta de los anteriores. En “Indiana Jones y El Templo de la Perdición” (1984) es donde se hace aún más marcada esta mirada sobre Oriente. La personificación de lo que es un árabe está marcada por el sacerdote Mola Ram que ofrece sacrificios humanos para la diosa india de la Muerte. En general el árabe es representado como una persona malvada, o cuando menos sospechosa de serlo, que en todo momento tratara sacar provecho se alguna situación. Sobre las formas de como se construyen los personajes árabes en la ficción Edward Said señala: “En el cine y en la televisión, el árabe se asocia con la lascivia o con una deshonestidad sanguinaria. Aparece como un degenerado hipersexual, bastante capaz, es cierto, de tramar intrigas tortuosas, pero esencialmente sádico, traidor y vil. Comerciante de esclavos, camellero, traficante, canalla subido de tono: estos son algunos de los papeles tradicionales que los árabes desempeñan en el cine. El líder árabe (líder de indeseables, piratas e «indígenas» insurgentes) se puede ver con frecuencia chillando al héroe y a la rubia occidentales capturados (y llenos de santidad)” . Sin lugar a dudas todo lo que menciona el autor es parte del guion de la producción del año 1984 dirigida por Steven Spielberg.
Luego de este largo recorrido se puede observar las razones del éxito de “Retroceder Nunca, Rendirse Jamás”. Esta no es solo una película pochoclera de “súper acción”, es a su vez un exponente de un género atravesado por esas huellas que ha dejado el Orientalismo en lo discursivo, el cual dota a las producciones fílmicas de fuertes estereotipos. Los mismos terminan siendo naturalizados por los espectadores y se transforman en aquello que esperan ver en cada película. Esta forma de construcción discursiva hegemónica dota de verosimilitud aquello que se ve y no se cuestionan las visiones sesgadas de la realidad social. Por ello no es casual la forma que este film aborda lo oriental desde todo lugar común posible y que el malo de turno sea “el loco ruso” Ivan Kraschinsky. A pesar de todo lo anteriormente dicho, que no hay que dejar de tener en cuenta, es una película que hay que darle una oportunidad aunque más no sea para pasar un buen rato riéndose de sus groseros errores de realización y que a pesar de ellos por alguna razón bizarra sigue siendo disfrutable.
1-Said, Edward: Orientalismo. Madrid, Libertarias, 1990 p. 25
2-Ibíd. ,p. 378
“El orientalismo es-y no solo representa-una dimensión
considerable de la cultura política actual moderna y, como tal,
tiene menos que ver con Oriente que con “nuestro” mundo”.
Edward Said
Retroceder nunca, rendirse jamás.
Director: Corey Yuen
Guion : See-Yuen Ng
Protagonistas: Kurt McKinney, Jean-Claude Van Damme, J.W. Fails.
País: Estados Unidos
Año: 1986
Duración: 85 minutos
A días de la aparición de la mascota robótica de Capcom en Mega Man Legacy Collection la creación de Keiji Inafune vuelve a ser noticia pero esta vez por su futura aparición en un nuevo formato, el fílmico. El largometraje estará a cargo de la 20th Century Fox y el estudio Chernin Entertainment, que estuvo detrás de El Planeta de los Simios: Confrontación y Éxodo: Dioses y Reyes.
En épocas donde en la industria cinematográfica parece escasear las nuevas ideas y donde lo que prima es hacer adaptaciones de comics y videojuegos Mega Man busca hacerse un lugar dentro de lo que se llama live-action movies. Años atrás el héroe azul, también conocido como Rockman en Japon, había irrumpido en el mundo fílmico en una adaptación animada llamada Megaman X y en un muy malogrado fan film en el año 2010.
De esta forma Mega Man se unirá a otra tanda de películas basadas en videojuegos en proceso de producción, o de la reciente estrenada Hitman: Agent 47, como las ya anunciadas: Assassin’s Creed, World of Warcraft, Borderlands y de la última entrega de las aventuras Alice en Resident Evil: The Final Chapter. Todos los fans del androide azul esperan que lleven a buen puerto esta adaptación pero por lo menos ya sienten cierta tranquilidad en que la misma no haya caído en manos del tristemente célebre Uwe Boll. Para mitigar la espera de la salida del film aquí les dejamos el tráiler de Man Legacy Collection.
Hay temas harto complicados de tratar, especialmente cuando estos se refieren a las películas que se basan en videojuegos. Como sabemos al momento de hacer este tipo de transposiciones los resultados suelen ser dispares, sin la necesidad de meternos en vericuetos semióticos, y muchos de ellos rondan entre la mediocridad o lo que se entiende por inclasificable. Es aquí donde surge la duda de cuál de estos rótulos es merecedor el film Dead Rising: Watchtower.
El juego que dio origen a lo que luego se convertiría en una saga apareció en la consola X-Box en el 2006. El game de la empresa Capcom que contaba como productor a Keiji Inafune (también ha participado en la saga Street Fighter, Megaman y Onimusha) se encuentra dentro del género llamado “survival horror”. A diferencia de las producciones de este estilo, en los que la saga Resident Evil y Silent Hill son los reyes indiscutidos, este título no se basa en una atmosfera asfixiante y tenebrosa sino que aborda la temática zombie desde un corte más humorístico. Cuenta la historia del fotoperiodista Frank West y de como este se encuentra en pleno brote de un ataque de “caminantes” en la ciudad norteamericana de Willamette, Colorado. En su huida Frank se hace paso hasta centro comercial y para sobrevivir dentro del mismo, también para poder rescatar a los sobrevivientes en él, deberá hacerse con lo que tenga a mano para crear armas para así acabar con la amenaza de los no muertos. El juego se centra en la idea de crear armamentos que nos permitan terminar con los enemigos de las formas más variadas y graciosas.
Lluvia de Franks
La película no relata la historia de nuestro querido Frank, pero al mismo lo podremos en diferentes segmentos de una entrevista desopilante, sino en la del periodista de un medio online llamado Chase Carter. Los hechos que vivirá nuestro protagonista se ubican entre los sucesos de Dead Rising 2 y el 3, en esta ocasión la trama se desarrola en la ciudad de Oregon. La misma encuentra en cuarentena gracias a un brote zombie y el gobierno ante la situación pone manos a la obra despachando un contingente de la organización FEZA (Autoridad Federal de Emergencia Zombie, en criollo) para controlar el virus. Por esas casualidades de la vida el joven reportero se encuentra con la historia de su vida, la vacuna distribuida a la población para que esta no se convierta en zombie luego de ser infectada deja de surtir efecto y el rebrote masivo de los no muertos se torna incontrolable.
Cuando todo se complica el presidente Palmer llega con la solución.
Chase Carter se encontrara con un par de personajes en su camino que evitaran que la historia se vuelva demasiado lineal. Entre ellas se encuentra su amiga la camarógrafa Jordan (Keegan Connor Tracy), la madre traumada por su reciente perdida (Maggie,interpretada por Virginia Madsen) y el personaje que guarda un misterio (Crystal ,interpretada por Meghan Ory). El film posee un par de vueltas de tuercas de esos canónicos que permiten que el espectador se mantenga atento a la trama y esta se apoya, como siempre, en que los integrantes del gobierno poseen su propia agenda y que harán lo posible para sacar redito de la situación. Pero el problema no radica en lo anteriormente dicho ya que muchas películas de este género suelen ir a los lugares comunes, el inconveniente de este film se centra en quedarse en las medias tintas. Los problemas de esta producción, que en principio se distribuyó a través de la red, se evidencian en la falta de criterio al momento de hacer la adaptación ya que nunca se decidieron si la iban a dotar de ese excelente humor sumamente bizarro que lo hizo un éxito de ventas y críticas al juego o si iban a producir un film dentro de los lineamientos clásicos de los largometrajes de zombies. Es por ello que la película en varios momentos se arrastra más que un no muerto luego de ser “intervenido” por una sierra eléctrica y pierde su equilibrio en lo argumental.
Lo amantes del género de horror verán en este film un par de pasajes disfrutables pero reconocerán que en otras películas estos mismos han sido mucho mejor logrados. Para los amantes de la saga de videojuegos hay varios guiños fácilmente reconocibles que harán dibujarles una pequeña sonrisa en sus rostros pero se verán decepcionados, por lo menos en parte, por la falta de ese enfoque humorístico que tenían las producciones de Inafune. En síntesis, es una película entretenida y pasatista para aquellos que no exijan demasiado de ella. Pero aun así deja un cierto mal sabor de boca, como aquel que le queda a un zombie que “le entra” a un maniquí pensando que se iba a deleitar a un suculento ser humano.
Ficha técnica Director: Zach Lipovsky-Guion: Tim Carter Elenco: Jesse Metcalfe (Chase), Meghan Ory (Crystal), Virginia Madsen (Maggie), Keegan Connor Tracy (Jordan), Aleks Paunovic (Logan). Dennis “presidente Palmer” Haysbert (General Lyons) y Rob Riggle (Frank West). Duración: 118 minutos
Toda producción cinematográfica se encuentra enmarcada dentro de un género o de un estilo. El listado de estos rótulos es más o menos extenso, están las de amor, las de terror, las de ciencia ficción y así podríamos seguir un largo rato describiendo todos ellos. Pero a su vez se habla de género por su forma de producción, entre las que se encuentra las de clase B y las de clase Z. Las de clase B son aquellas películas de bajo presupuesto que tuvieron sus orígenes en la llamada “Edad de Oro de Hollywood” en los años 50 y generalmente eran proyectadas como parte de la segunda función en el cine. Posteriormente, pero contemporáneas a las de clase B, surgió el subgénero/estilo denominado clase Z .Estos films con temáticas argumentales realmente bizarras cuentan con un presupuesto aún menor que los de clase B, dentro de este género podemos encontrarlas producciones del afamado director Ed Wood.
Luego de este breve viaje entre los géneros y estilos es hora de hablar de la película que dio origen a este post, la cual se llama Kung Fury. Luego de lo dicho en párrafos anteriores surge la duda al momento de colocarla en algún marco que precise a cuál de ellos pertenece. Dado que nos encontramos en una época de hibridaciones, nunca un género se encuentra en su estado puro ya que siempre hay empréstitos, el film dirigido por David Sandberg abreva en varios géneros y toma prestados lenguajes de otras producciones audiovisuales, dentro de los que se encuentran claros guiños de los videojuegos y los comics.
Poster promocional del film con una clara estética retro
Lo que no cabe ninguna duda que la propuesta es tan genial como bizarra. El corto nos sumerge en los violentos años 80 en donde el detective de policía Kung Fury, David Sandberg, se encarga de todo aquel criminal con el que ningún otro puede lidiar. Estas amenazas pueden ir desde una simple máquina de salón de videojuego que toma vida y se convierte en un asesino en masa que amenaza con destruir la ciudad, hasta la vuelta de Hitler con todo su ejército. Claro que para que lo último no suene descabellado Fury viajara en el tiempo gracias a inestimable colaboración de Hackerman, quien hackea el tiempo con Zx Spectrum y un par de computadoras más, que se encarga de todos los preparativos para que nuestro héroe viaje a la Alemania nazi para acabar con el “Kung Führer” Adolf Hitler. Los que restaría saber es: ¿porque Fury se embarca en este tan peligroso viaje? La respuesta es más que obvia, el policía experto en artes marciales busca vengarse del dictador que tiempo antes había logrado viajar a 1985.Y que apenas llegado de su viaje en el tiempo llama al cuartel de policía en donde trabaja Kung Fury y con un moderno celular y acribilla a todos los presentes a través de la bocina de su dispositivo móvil.
Como era de esperar, como señala Valdimir Prop en las características morfología de los cuentos y en la estructura narrativa de Aristóteles, al héroe que busca su objetivo siempre se le presentan varias complicaciones antes de llegar a él. Lo lógico es que su viaje en el tiempo se vea truncado por un desperfecto en la máquina del tiempo y que gracias a ello termine en la era de los vikingos. Como todos sabemos en esa era las doncellas guerreras iban muñidas con grandes ametralladoras mientras montaban sus dinosaurios o tigres gigantes. Pero esto no termina aquí, ya que no se puede presumir de haber visitado Asgard si no se vio a Thor pululando por los valles. El dios del trueno, de muy buena gana, se decide a ayudar a Kung Fury en su periplo y viaja junto a él a la Alemania nazi para juntos acabar con el “Kung Führer”.
El universo es un lugar confuso realmente
Por medio de una estética con claras referencias a Miami Vice (División Miami en nuestras tierras) y a la era de las videograbadoras se narran una de las historias más descabelladas que se hayan podido ver en los últimos tiempos. Fury es el claro estereotipo del héroe de acción de los 80´, como era habitual en aquella década siempre recaía en un solo hombre la responsabilidad de acabar con el crimen y este era más poderoso que el mejor ejército. No es casual que en esos años de la era Reagan los videojuegos más populares fuesen aquellos en los cuales un grupo de vigilantes salían a las calles a repartir mamporros para acabar con las pandillas y así poner orden en la ciudad. Es por ello que podemos ver escenas muy similares a aquellas se podían ver en los salones de viedeojuegos donde los chicos dejaban toneladas de monedas en los juegos de Double Dragon y de Bad Dudes vs Dragon Ninja.
Antes de finalizar hay que destacar que este film independiente vio la luz gracias al aporte recibido por un público entusiasta que hace sus aportes monetarios a través del sitio web Kickstarter (los medios de crowdfunding han ganado gran popularidad en las producciones independientes de música, cómics, periodismo, videojuegos y films). Como toda película ochentera que se precie de tal esta debe venir acompañada de merchandising y esta para no ser menos tiene vinilos con la banda de sonido del film, posters, remeras y un videojuego llamado Kung Fury Street of Rage. Cuestiones comerciales aparte, si bien es cierto que la línea argumental de esta producción hace difícil recomendarla al amplio público tampoco deja de ser cierto que para aquellos que compartan varios sus códigos la van a disfrutar de cabo a rabo. A fin de cuenta hay cosas peores en la vida y por ellas hay que pagar para verlas, como es el caso de Machete Kills.
Datos técnicos: Kung Fury fue presentada en mayo en el festival de Cannes. La productora sueca Laser Unicorns conto con un presupuesto de 630 mil dólares para la realización del corto de 30 minutos. La banda sonora fue compuesta por los músicos suecos de synthwave Mitch Murder y Lost Years. El video musical del film quedo en manos de David Hasselhoff y se intitula “True Survivor”.
Si queres ver la película completa hace click aquí
Varios interrogantes han aquejado a la humanidad, muchas de corte existencialista, desde la existencia de la misma: de dónde venimos, adonde vamos, existe la vida después de la muerte, la existencia de Dios, como se creó el universo y un muy largo etc. Pero sin dudas la que más nos preocupa y la que sigue sin responderse es: cuál sería el resultado de una batalla entre Ryu y el Ranger Verde?
El Green Ranger es luchador de la UFC
Dos grandes franquicias de mundos diferentes, pero no por ello incompatibles, se cruzaron en la década de los 90. Street Fighter II se transformó en el juego de lucha preferido de los gamers, es así que la creación de la empresa Capcom lidero el mercado de los juegos e impuso los parámetros del género.
En tierras occidentales una serie llamada Mighty Morphin Power Rangers, luego de una pequeña adaptación de una serie japonesa, logro que millones de niños/as se sentaran de lunes a viernes frente a la antigua caja emisora de rayos catódicos. El éxito derivo en una muy larga lista de productos infantiles que hacían la delicia de los niños y el terror para los bolsillos de los padres. En toda creación que involucre personajes siempre hay uno que se transforma en un icono y se convierte en sinónimo de esa producción artística. El Power Ranger Verde/ Tommy Oliver (Jason David Frank) y Ryu de Street Fighter son los personajes más queridos de sus respectivas franquicias. Ahora la magia del cine los une y nos permite responder quien es el mejor exponente de las artes marciales. En este fan film podemos ver también al actor que personifico a Vega en la malograda película de Street Fighter del año 1994, Jay Tavare ¿Quién ganara esta batalla? ¡Hagan sus apuestas!
Luego de un largo periodo de no publicar nada en este blog dado que un par de proyectos personales no me lo permitieron, uno de ellos es producir un nuevo programa de radio, vuelvo a estas huestes con una propuesta similar a mi anterior posteo que estaba referido a los Power Rangers y las producciones de fanfilms. En esta ocasión el protagonista de este tipo corto es el antihéroe de Marvel, The Punisher.
El Castigador, como se lo conoció en habla hispana, dio sus primeros pasos en los comics de la mano Gerry Conway como guionista, John Romita Sr. y Ross Andru los encargados de los pinceles. Esta triada se encargó de presentar al violento justiciero en las páginas de The Amazing Spider-Man n. º 129 en febrero de 1974. A diferencia de los héroes creados hasta ese momento este combatía al crimen con grandes dosis de violencia y no poseía esos códigos morales de tintes bíblicos de “no mataras” con los cuales se regía el gran Spidey.
Aparición en The Amazing Spider-Man n. º 129 (1974)
La “excusa” para el nivel de salvajismo que se observa en este personaje al momento de combatir el crimen se puede rastrear en los orígenes del antihéroe. Frank Castle es un veterano de guerra experto(exmarine) en armas y en varias artes marciales que presencia el asesinato de su esposa e hijos en el Central Park a manos de unos gangsters que lo dan por muerto luego de la balacera. Desde ese momento se convierte en el Castigador y sale a la caza de los asesinos de su familia aplicando las tácticas más brutales para lograr su venganza y una vez logrado su objetivo se transforma en un vigilante de tiempo completo que no posee un momento de respiro.
El éxito en los comics fue inmediato y los fans se multiplicaron desde mediados de los 70´ hasta los fines de los 80´. Como es regla a todo éxito gráfico, especialmente en esta última década, se le busca la forma de llevarlo a la pantalla grande y es ahí donde suelen aparecer los problemas. The Punisher ha sido adaptado varias veces y ha aparecido en varios films con resultados muy dispares, pero en general rozan la mediocridad. Corría el año 1989 y Dolph Lundgren todavía se encontraba en la cresta de la ola de su popularidad, es por ello que a los genios del séptimo arte se los ocurrió que el actor de nacionalidad sueca podría personificar al brutal Castle. El resultado de tal engendro no fue otro que navegar por los mares de la mediocridad y que en momentos pareciera un film clase B. Un dato curioso es que los hacedores del film no tenían todos los derechos para llevar al personaje a la pantalla grande, tal es así que la emblemática calavera de la remera del Castigador no parecerá en ningún momento del rodaje.
En la era de los reboots los personajes vuelven y no en fichas. En el 2004 el bueno de Castle resurge de sus cenizas y esta vez el actor encargado de encarnarlo es Thomas Jane (el que trabaja en la adaptación fílmica de la novela de Stephen King La Niebla, del año 2007 por si no tenes la más pálida idea de quien es). A diferencia del comic este Frank es un agente del FBI al que le masacran a su familia entera un grupo de matones liderados por Howard Saint (John Travolta), este último da la orden de este asesinato masivo en busca de vengar la muerte de su hijo a manos de Frank. A pesar de ciertas lagunas a lo largo del film este no es del todo malo, respeta bastante el nivel de violencia y sadismo que aplica The Punisher en su cacería en su contraparte comiquera. Algo que sería extraño de ver en las nuevas producciones para el cine basadas en héroes y superhéroes en el que se busca una calificación cercana al “apta a todo el público”.
Filmografía del Castigador
Dicen que no hay un dos sin tres y el Castigador no escapo a esta regla, razón por la cual la franquicia sufrió otro reboot en el 2008 y sale al cine con el nombre de Punisher: War Zone. El film paso con mucha más pena que gloria y para la mayoría parece que esta nunca se hubiese producido. La película fue un rotundo fracaso recibiendo críticas muy adversas y una pobre recaudación, no obtuvo ni la tercera parte de lo invertido en la producción.
Por suerte para los fanáticos el honor del violento Frank Castle no quedo manchado gracias al fanfilm dirigido por Phil Joanou y que contó con la producción de Adi Shankar (el mismo que produjo en fanfil de los Power Rangers). Thomas Jane vuelve a meterse en la piel de Frank Castle en este corto que vio la luz en 2012 en el San Diego Comic-Con. Allí podemos ver al Castigador un poco harto de la vida en general y en medio de sus quehaceres diarios, más específicamente yendo al LAVERAP (lavandería para aquellos lectores que no sean de estos pagos). El mundo sigue siendo tan cruel como de costumbre y por lo visto su barrio es un claro ejemplo de esto dado que el crimen se puede ver a la vuelta de la esquina. La pandilla local instala el terror y por más que no lo quiera va a tener que tomar cartas en el asunto. Luego de ir a comprar un par de bebidas al mercadito del frente, el cual es atendido por un tal Ron Perlman en silla de ruedas, la catarata de escenas de acción de tremenda explicita violencia inunda la pantalla sin cesar. Durante los casi los 10 minutos de duración del film la hemoglobina no deja de fluir y el nivel de violencia hace justicia a los orígenes de este afamado antihéroe. Una producción que se le recomienda ver a los fanáticos del personaje y los comics en general, pero esta recomendación no se hace extensiva para aquellos que posean estómagos sensibles.
Hay un par de cosas en la vida de las cuales es difícil hablar y una de ellas es sobre la muerte ya que esta despierta ciertas sensibilidades afectivas. La otra no menos compleja de tocar es el tema de las adaptaciones cinematográficas de video games. Es difícil despojarse de preconceptos ya que por norma las producciones fílmicas que tienen como origen historias extraídas de los games suelen rondar entre la mediocridad o el desastre absoluto y muy pocas de ellas escapan a estos parámetros.
Final Fantasy XV: Kingsglaive es parte de ese universo expandido que ideo Square Enix que servirá de prologo para el juego que saldrá al mercado para PlayStation 4 y Xbox One en noviembre de este año. La historia narra los hechos acontecidos antes del viaje que efectuara Noctis y se centra en el conflicto bélico que mantiene el reino de Lucis con el imperio de Niflheim. Este último quiere apoderarse del único territorio que aún no han podido anexar gracias a los poderes mágicos que se desprenden del Crystal que se encuentra en el centro de la ciudad de Insomnia que le sirven de escudo para repeler cualquier tipo de ataque de la nación rival. Lugo de años de interminables batallas se llama a un alto al fuego y se inician negociaciones para firmar un tratado de paz.
El peso de papel protagónico recae en un joven soldado al servicio del rey Regis Lucis Caelum, rey de Insomnia, llamado Nyx Ulric. Luego de una muy escueta presentación del personaje se deja en claro que este tiene madera de héroe y que gracias a su hábil manejo de la magia, habilidad que comparte con el monarca, liberara al pueblo de la amenaza que representa el reino de Niflheim. Obviamente que el protagonista no se encontrara solo en esta épica aventura ya que contara con la ayuda algunos miembros del equipo elite de Kingsglaive y de la otrora princesa de Tenebrae Lunafreya.
Al apartado técnico no hay nada que reprocharle y este es el que más se destaca en el film. Las imágenes alcanzan una belleza fotorrealista pocas veces vista y en varios tramos del largometraje uno se puede olvidar que en realidad está viendo imágenes creadas por computadora. Además la animación de los personajes es realmente fluida gracias a que estas están basadas en la captura de movimiento de actores de carne y hueso. Otras de las cosas que le dan ese toque humano es la utilización de actores de cierto renombre para el doblaje de las voces como es el caso de Aarón Paul (Breaking Bad), Sean Bean (Game of Thrones) o Lena Headey (Game of Thrones).
Ahora donde la película realmente empieza a hacer agua es en el diseño del guion. Muchos de los sucesos narrados parecen no tener una conexión lógica y lo que motiva a los personajes a actuar de tal o cual manera muchas veces queda en el absoluto misterio. Donde más se puede apreciar esto es en algunos diálogos que parecen aparecer por arte de magia sin saber el motivo y la relación que tienen con lo que sucedió o lo que podrá suceder. Estos olvidos intentan ser subsanados con largas escenas de acción que no hacen más que aportar confusión a la trama. En algún momento del film aparecen personajes similares a los guardianes, esas invocaciones que son marca registrada de la saga Final Fantasy, pero no nos dan pista alguna sobre sus orígenes y porque estos toman partido por uno u otro bando.
En El Comienzo Fue Un Big Bang 